Yoko Ono: O jardim da aprendizagem da liberdade es una gran exposición dedicada a la obra de la artista icónica Yoko Ono, que reúne objetos, obras en papel, instalaciones, performances, grabaciones de audio y películas, así como materiales de archivo raramente vistos. La exposición presenta un panorama completo de la producción multifacética de esta artista pionera del arte conceptual y performance que, durante los primeros años de su extensa carrera, vivió entre Nueva York, Tokio y Londres, habiendo tenido un role precursor en el desarrollo del conceptualismo, del arte escénico y del cine experimental a nivel internacional. Las ideas, más que los materiales, son el componente principal de su trabajo. Muchas de estas ideas son poéticas, absurdas y utópicas, mientras que otras son específicas y prácticas. Algunas se transforman en objetos, mientras que otras permanecen inmateriales. A menudo, la obra refleja el sentido del humor de la artista, así como su postura marcadamente sociocrítica. El punto de partida para muchos de los trabajos de Yoko Ono se encuentra en sus Instructions (Instrucciones): directrices orales o escritas para los espectadores, que ofrecen un conjunto de sugerencias y le dan a la audiencia un role mucho más activo de lo que generalmente se espera en el mundo del arte.
Vai no Batalha!, una expresión típica de Porto y el tono de esta creación teatral, cuya estructura se basa en la revista portuguesa. En términos de estructura dramatúrgica, la revista es una especie de bolsa donde se puede poner todo. Especialmente ideas. Y es una pena que las ideas actualmente vacías proliferan en la revista. Y así, el sentido de la revista que originalmente estaba destinada a pasar "revista", con un fuerte sentido crítico y mucho humor, está perdiendo los principales acontecimientos que marcaron la vida del país durante un año. Este espectáculo fue creado "alrededor de la mesa" por todos los elementos de la compañía, en el transcurso de varias sesiones delirantes. En esa bolsa grande hemos puesto nuestras ideas, nuestros gozos, nuestros ensueños y locuras, y también nuestros sentimientos. A veces por rabia a cosas que no nos gustan; a veces por amor, sea por Ti Ana do Bolhão, por el río Duero, por la ciudad de noche o por los cafés de Porto que están desapareciendo. Todavía creemos que vale la pena caminar por aquí, remar contra viento y marea, y vivir la vida intensamente en el espíritu de esa hermosa expresión. Porque el aburrimiento, la soledad y la tristeza, mis amigos, "Vai no Batalha!" ... ¡y al menos tenemos el teatro!
La exposición señala los 30 años de la Fundación y los 20 años del Museu de Serralves, presentando el programa del Servicio de Artes Escénicas entre 1999 y hoy. Nació y se desarrolló a través de compromisos entre objetivos aparentemente irreconciliables: por un lado, la necesidad de presentar datos concretos (nombres, fechas, imágenes) que mostraran dónde, cómo y cuándo actuaron ciertos artistas, y reflejaban el carácter pionero de la importancia dada a las artes escénicas por parte de Serralves; por otro lado, traduce lo que parece distinguir inmediatamente estas artes: la implicación del espectador, el espíritu eminentemente colaborativo, el "aquí y ahora", en oposición a "esto fue". Los compromisos incluyeron por exponer documentación e informar a sus visitantes quién actuó en Serralves (y cuándo, cómo y dónde), mientras presentaban elementos que evocaban al "aquí y ahora". Se incorporó la documentación a través de un proceso de colaboración: una vez que los programadores Cristina Grande y Pedro Rocha seleccionaron las imágenes y palabras que mejor ilustraron los últimos veinte años de su programación (entre fotografías de escena y materiales gráficos que anunciaron y acompañaron las actividades), se ha encargado a un diseñador gráfico, Luís Teixeira, que concibiese un libro que nunca seria publicado, cuyas páginas se presentarían exclusivamente en las paredes de la Biblioteca de Serralves, junto con la filmación de espectáculos y atrezo a los que estos programadores reconocieron especial importancia. Al mismo tiempo, se decidió ocupar un área considerable del entresuelo de la biblioteca con un objeto que evocaría inmediatamente la idea de teatro y que pudiera "activar" el espectador: un pequeño escenario a la espera de ser ocupado. El visitante puede y debe sentarse a leer (textos sobre programación, libros imprescindibles para comprender las artes escénicas de hoy) y, lo más importante, escuchar testimonios y memorias de espectáculos escritos por personas especialmente atentaos a la programación de artes escénicas de Serralves - entre artistas, músicos, escritores y actuales o anteriores directores y programadores de teatros y festivales de música y de performance - y luego leídos por dos actores. Estos testimonios han conciliado lo irreconciliable: las memorias de ciertos espectáculos, o de conciertos y actuaciones, necesariamente subjetivas, incompletas, fragmentarias, constituyen el contrapunto necesario a los datos, fechas, cronologías, documentación. Es en gran parte gracias a ellos que esta exposición no se trata solo de "lo que era"; también es ahora, y también es aquí.
Electric es una exposición de realidad virtual, comisariada por Daniel Birnbaum y organizada por Acute Art. Presenta una selección de obras de artistas emergentes y establecidos, que exploran este nuevo medio desde ángulos radicalmente diferentes. Electric se inauguró en mayo de 2019 en la Frieze New York como una exposición colectiva, que reúne obras de Städelschule Architecture Class (SAC), R. H. Quaytman, Nathalie Djurberg & Hans Berg y Anish Kapoor. Acute Art es una organización que reúne a artistas internacionales, nuevos medios y tecnologías para producir obras visuales de alta calidad y exposiciones en instituciones artísticas de renombre internacional. Recientemente, se exhibieron obras de esta plataforma en Londres, Basilea, Moscú y Venecia. El objetivo de Acute Art es producir y presentar obras de realidad virtual, realidad aumentada y realidad mixta que sean accesibles, inteligibles y que puedan exponerse sin tener que recurrir a infraestructuras complejas. Anish Kapoor y Nathalie Djurberg & Hans Berg utilizan la realidad virtual como una forma de llevar su práctica a una nueva dimensión. Construidas a partir de motivos y técnicas que son recurrentes en las obras respectivas de los artistas, estas experiencias inmersivas llevan al observador por caminos desconcertantes a través de mundos ficticios. Adaptado para Serralves, el proyecto también incluye una obra de Olafur Eliasson, un artista actualmente en exhibición en el Museo y Parque Serralves, y una obra en Realidad Aumentada de Koo Jeong A, en el Parque Serralves.
Durante treinta años se ha creado una colección de maquetas y otras piezas que se utilizaron en exposiciones de la Obra del arquitecto Álvaro Siza. La mayor parte de las exposiciones en las que se usó o exhibió este material expositivo fueron comisariadas por el arquitecto Carlos Castanheira, que lo mantuvo bajo su custodia. Muchas de estas piezas, en particular las maquetas de madera y maquetas de cartón, se prestaron a muchas otras exposiciones organizadas y comisariadas en todo el mundo, como las que forman parte de la exposición (in)Disciplina que está en el Museo de Serralves. Dado que el Museo de Serralves está creando y organizando actividades, así como un Archivo de Arquitectura, a Álvaro Siza y Carlos Castanheira les pareció que es el momento adecuado para entregar la custodia, la restauración y la gestión de todas estas piezas al Museo de Serralves. En 2019, el material fue transportado, entregado, evaluado, inventariado y depositado. A principios de 2020, especialmente los modelos, se limpiarán y restaurarán para que estén disponibles para el préstamo, para la consulta y el análisis de los académicos, pero también del público en general. Con esta colección se pretende que sea posible crear mejores condiciones para la difusión, interpretación y discusión de la arquitectura como un arte esencial y fundamental para el bienestar y la evolución de la humanidad.
Esta exposición presenta obras de Lourdes Castro (Funchal, 1930) producidas desde la década de 1960, en varios medios (ediciones, dibujo, bordado, plexiglás), algunas veces hechas con otros artistas, que subrayan la importancia de su práctica artística colaborativa y la relación entre el arte y la vida cotidiana. Artista originalmente vinculada al movimiento nouveau réalisme francés, que enfatizaba la relación entre el arte y la realidad, es decir, con los paisajes visuales de las ciudades, cada vez más saturados de signos, y con la acumulación de objetos cuya obsolescencia es después de la Segunda Guerra Mundial cada vez más rápida, Lourdes Castro construirá una obra irreductiblemente única a lo largo de su trayecto, vinculada a siluetas y sombras. En la exposición se puede ver, además de la revista KWY (1958–1963) y de la obra que hizo con Francisco Tropa para la Bienal de São Paulo de 1998, ejemplos de la importancia del trabajo colaborativo, trabajos contextualizado por el nouveau réalisme, collages y conjuntos de objetos cotidianos pintados con pintura de aluminio; carteles que anuncian exposiciones y teatros de sombras (en estrecha colaboración con Manuel Zimbro) dominados por lo que sería, desde mediados de la década de 1960 en adelante, su tema de elección: la Sombra; obras en plexiglás, bordados en sábanas de sombras y la serie de dibujos de Sombras à volta de um centro, realizada en dos períodos, en París (1980) y Madeira 1984/87, y presentadas en la exposición de la artista en 2003 en el Museo de Arte Contemporáneo de Serralves. Estos dibujos, en su simplicidad y evidencia, en ellos vemos las sombras de varias flores y plantas (camelia, geranios, lilas, margaritas, nomeolvides, narcisos, primaveras, rosas, perejil, tulipanes, hojas de palma, entre otras) de una manera tan natural que excluye cualquier esfuerzo, habilidad, revela la voluntad de la artista de ver "siempre por primera vez y de primera mano". Estos dibujos constituyen, una especie de diario íntimo de Lourdes Castro con las plantas y flores, un tratado sobre la atención, sobre estar totalmente presente en el "aquí y ahora". Por eso son testimonios de una "eternidad efímera", y de la relación del arte y La vida tal como es.
Una serie de prestaciones absolutamente improbables, pero extraordinarias (con Ming Smith, Frida Orupabo y Missylanyus). Reconocido director de fotografía y director de cine, Arthur Jafa presenta en esta exposición trabajos que ha estado haciendo como artista visual durante las últimas dos décadas. En cine, fotografía y escultura, la obra de Jafa revela el papel determinante de la raza, el género y la clase social en la cultura popular dominante y en los medios de comunicación dentro y fuera de los Estados Unidos. Desde Spike Lee y Stanley Kubrick hasta Beyoncé y Solange, Arthur Jafa ha colaborado con muchos cineastas, artistas y músicos notables. Para esta exposición, Jafa invitó a la fotógrafa Ming Smith y a la artista visual Frida Orupabo, e incorporó materiales de Missylanyus en el canal de YouTube para crear una experiencia audiovisual que es tanto una reflexión política como una perspectiva visionaria.